阿瓜天空下的声色光影: 大师！大师！some body about movies

情系巴尔干 Goran Bregovic 哥伦．布雷高维克

Sun, 24 Dec 2006 13:23:49 GMT

哥伦．布雷高维克（Goran Bregovic）是今日世界上最知名的巴尔乾音乐家。而让他的音乐可以远渡重洋、铭刻人心的，则是他为多部电影打造的迷人氛围：《流浪者之歌》、《玛歌皇后》、《地下社会》、《亚历桑纳梦游》中，吉普赛音乐与世界各地旋律的共舞或独舞。

　　布雷高维克一九五○年三月廿二日出生於赛拉耶佛，就像合作默契深厚的导演艾米尔．库斯杜力卡（Emir Kusturica）一样，出身也反映了南斯拉夫多种族的层次紊杂，布雷高维克的父亲是克罗埃西亚人，母亲来自塞尔维亚，妻子则是回教徒。

　　布雷高维克十六岁时，拉得一手好小提琴的他创立了「白钮扣」（Bijelo Dugme）摇滚乐团，在南斯拉夫引起一阵热潮，从一九七四年到一九八九年间共出了十三张唱片，他在这时认识了年轻的库斯杜力卡，又到庞克乐团担任贝斯手，在这些南斯拉夫年轻人心中，这是一波革命，并向西方文化开了一扇门。在一九八○年代中期，布雷高维克再度遇见库斯杜力卡，库斯杜力卡说服他一起拍电影，这次合作促成了一张重要的配乐《流浪者之歌》（Time of the Gypsies， 1989），并获得国际的成功。

　　布雷高维克的音乐带回斯拉夫民族与吉普赛文化的底蕴，混融了流行音乐和现代制作科技，具有全球性，却同时又有极高辨识度，很快奠定了这位配乐家的个人风格与知名度。他故意放弃繁覆的录音室技巧，而以粗糙、原始的巴尔干半岛式的民谣音乐来表琭，和插入电影中的情节，而统果是情节和配乐高水準的密切统合，使得剧情更具张力与可看性。

　　布雷高维克继续实验将不同种类的音乐共冶一炉，例如以以色列国宝歌手欧佛拉哈撒（Ofra Haza）的犹太叶门音乐，贡献出《玛歌皇后》（La Reine Margot，1994）配乐；让来自非洲赛内加尔西方的维德角（Cap-Vert）的赤足天后西沙莉艾芙拉（Cesaria Evora）探戈音乐促成了《地下社会》（Underground，1995）电影配乐；还有让放克摇滚先锋Iggy Pop重现的《亚历桑纳梦游》（Arizona Dream，1993）。布雷高维克的音乐是多支文化的汇流，吉普赛的放游、来自世界宽广与角落的旋律、华丽或者私密轻盈，细致也袤远。

　　为多部电影写了脍炙人口配乐后，布雷高维克开始在各地开演奏会，与他合作的是「婚礼与葬礼」（Weddings and Funerals）管弦乐团，有热爱音乐的合作成员和合唱团。一九九七年，布雷高维克在整个东欧巡演过后，他与乐团在瑞士蒙投（Montreux）音乐节与希腊帖萨罗尼亚（Thessalonique）岁末多媒体演奏会的表现，将其知名度与评价推上另一高峰，这组演出后来以《巴尔乾的沈默》之名结集发行。布雷高维克和整个团从一九九八春天，启程欧洲巡回，包括义大利、葡萄牙、英国、比利时和法国。

　　布雷高维克在一九九二年离开故乡赛拉耶佛，时值南斯拉夫动乱，人民往法国和美国流亡，他也迁居到人文之都巴黎，在这里，他开始与来自全球的音乐人合作，也更丰富了其创作的多元内涵。他在一九九九年开始和波兰流行歌手Kayah合作，但布雷高维克与同样是巴尔乾半岛的希腊歌手George Dalaras（一种接近蓝调的laïko style）、年轻的Alkistis Protopsalti和土耳其女星Sezen Aksu等激荡出的光芒，更是不容忽视。

　　除了在幕后创作电影配乐，布雷高维克也参与幕前演出：一部由Unni Straume执导的瑞士电影Musikk for bryllup og begravelser中演出，电影叙述一个作家的故事，她在儿子死后独自住在前夫设计的小屋，把地下室出租，布雷高维克演的就是这个房客，他是一个带着吉普赛乐团到处演奏的塞尔维亚音乐家。这部电影呈现了许多反差：北方与南方、冷与热、喜与悲，并参加了二○○二年日舞影展和二○○三年鹿特丹影展。

Yann Tiersen只去北京上海！！！

Tue, 28 Nov 2006 09:16:09 GMT

毕业之后就没有怎么听原声,也没了了解电影原声大师的.听说Yann Tiersen要来中国巡演,于是借立桃皮同学个标题,来继续我的原声之旅.

扬 • 提尔森(Yann Tiersen)，1970年7月出生于法国布勒斯特。6岁开始学习小提琴和钢琴，对每种乐器的内在特质有独到和精妙的把握。他经常参与剧场、独立短片的演出，因此对将影像与乐音如何完美结合的原理谙然于心。2001年，他为电影《天使艾美丽》(《Amelie From Montmartre》)配乐，获得了广泛的关注，名噪一时。在《天使艾美丽》中，钢琴、小提琴、手风琴、鼓声、口琴层层叠叠，色彩饱满飘摇，异想如肥皂泡漫天飞舞。扬 • 提尔森用他的音乐来告诉你一个魔幻世界里的浪漫巴黎。《我从未去过》，手风琴和小提琴奏响Amelie异想世界的序幕；《另一个夏天的童谣》，钢琴主调的悠扬旋律是左岸的迷离风情和Amelie世界里的小小忧伤；《艾美丽的华尔兹》，优雅欢畅，和你在袅袅晨雾的塞纳河边翩翩起舞；《野兽的华尔兹》，轻飘飘的阳光中红酒和香槟的味道……扬 • 提尔森把我们带入了一个奇思妙想的世界，“犹如飘荡在春日的秋千上”，让人充满了一种无法言喻的幸福感。

古典优雅是扬 • 提尔森的杀手锏，诠释着古老而时尚的巴黎风情；而丰富的层次感又给我们带来了全新的听觉享受，清凉得如同祛痱的花露水，提神又醒脑。

《野兽的华尔兹》(《La Valse des Monstres》) 1995年扬 • 提尔森的第一张专辑，主要运用小提琴、大键琴和钟乐，分为Freaks和Le Tambourin de soie两部分，浪漫欢快，但也有后期作品中少见的冷感。

《水瀑之路》(《Rue Des Cascades》)1996年首次发行，1999年4月再次发行扬 • 提尔森的成名作。《水瀑之路》一曲被选中作为电影《甜蜜爱丽丝》(《La Vie Revee DesAnges》)的开场音乐，由Claire Pichet演唱。专辑主要运用了钢琴和小提琴，旋律延续上张的优美流畅。

《灯塔》(《Le Phare》) 1997年毫无疑问是扬 • 提尔森最好的一张专辑。在延续《水瀑之路》风格的同时，加入了更多丰富而变化多端的情绪，时而是愉悦的(《Les Jours heureux》)，时而又是忧伤的(《Monochrome》)。不同地域的异国风情用一种鲜明跳动的节奏来表现，在小提琴的主调外更加入了曼陀铃和大键琴。情歌、舞曲……扬 • 提尔森音乐的包容性和国际化已充分展现。这一次，扬 • 提尔森的乐迷们可以欣赏到这位音乐天才的舞台展示，我们经常把他和埃里克 • 萨蒂、尼诺 • 罗塔媲美。大提琴、吉他和钢琴在他的指挥下融合成一支永恒的曲子。

《一切平静》(《Tout Est Calme》) 1999年这是与Married Monk合作下带
有摇滚风味的一张专辑。与上一张大受好评的专辑不同，这张在保持惯用乐器如钢琴、小提琴、曼陀铃等营造“扬 • 提尔森”风格，更加入贝斯、吉他、键盘、打击乐，抒发日常生活的细小感受。Claire Pichet的美妙声音更是为专辑添色不少。

《缺席者》(《L'absente》) 2001年这张收录《天使艾美丽》配乐《Les Jours Tristes》演唱版，作品显露出了愈见国际化的痕迹，Neil Hannon和Lisa Germano加盟，音乐变得更能为大众接受和欣赏。大量采用手风琴和玩具钢琴弹奏仍演绎着浓郁的法国风情，维也纳43人的交响乐团更是增添了专辑的底蕴。就像封面一样，这是一张城市的寂寞乐曲，深夜在城市屋顶上独舞的清冷背影。

《天使艾美丽》(《Amelie From Montmartre》) 2001年大多数的乐曲选自他先前的其他专辑，主题曲《艾美丽的华尔兹》融钢琴、小提琴、玩具钢琴为一体，轻盈流丽，仿佛间就看到Amelie眨着大眼睛在巴黎的天空下开始神秘冒险。而扬 • 提尔森则变成了挥着魔棒的精灵，把音符一串串地坠落在水面上，激起片片涟漪。

专辑荣获比利时电影节最佳电影原声带、美国娱乐周刊A-佳评、英国影艺学院电影奖提名。

《再见，列宁》让我们又一次遇见扬 • 提尔森，也再次验证了扬 • 提尔森作为一个电影配乐大师的魅力。

这次，他用了大段的钢琴独奏。从《summer78》开始，童年开始的故事叙述因此蒙上了一层迷离的味道，回忆的斑驳恍惚，在钢琴黑白琴键的交错起落里缓缓展开。琴键的起落应是明朗的，却被扬 • 提尔森演绎得忧郁而流畅。间或有童声合唱，清新而忧伤。《Father and Mother.》、《Childhood》、《First Rendez-Vous》，忧伤的，只属于回忆的，扬 • 提尔森出色地完成了配乐者对影片听觉的诠释，也超越了配乐者的身份，是整个配乐独立成为一个淡色调的故事，一首关于永不再来的过去的美丽诗篇。

扬 • 提尔森的作品都带有梦幻性质，Amelie在巴黎演出着天真的梦幻和幸运，Alex在柏林体验着现实中梦幻的迷离和荒诞。都是梦幻，都是不可能真实的真实，都是钢琴和弦乐。或许只有这些梦幻般的荒诞才能让我们摆脱这混乱世界的喧闹，关上窗，闭上眼，安静地听。

网上图片严重不全,就我自己收藏的他的原盘就不下6张.其中还有送给郭龙同学的带DVD的那张双张.不过可惜扬大师只去北京和上海.虽说就算去深圳我也将错过,更别说他会到西安了.不知道赶着12月4号去连州的郭龙会不会去看Yann Tiersen,不知道今年12月的连州好不好玩.

http://www.xhhq.com/music/Les%20Jours%20Tristes%20(Instrumental).mp3

http://midi.midifan.com/UploadFiles/2006-9/921654133.mp3

http://www.xhhq.com/music/La%20Valse%20D'Amelie.mp3

Gabriel Yared

Tue, 06 Jun 2006 23:51:18 GMT

Gabriel Yared（盖布瑞尔·亚德），1949年10月7日生于黎巴嫩贝鲁特，年轻时放弃法律学科，专攻音乐，1972年转往巴黎潜修作曲与管弦乐，初入乐界先为Gilbert Bécaud、Johnny Halliday等法国歌手担任专辑制作与编曲，再转为电视、电台、广告界谱写音乐，自20世纪70年代中期涉猎电影音乐以来，已完成近60部的作品，包括:1983年的《The Moon in the Gutter》(明月照沟渠)、1986年凯萨奖提名的《37o2》(巴黎野玫瑰，又译:激情37.2度)、1988年的《Camille Claudel》(罗丹的情人)、1990年的《La Putain du roi》（国王的娼妇）、1992年获澳洲影艺学院最佳原著音乐提名的《Map Of The Human Heart》(心灵地图，又译：爱在我心深处)、1992年勇夺凯萨奖最佳电影音乐奖的《L'Amant》（情人）、1996年囊括奥斯卡、金球奖、葛莱美奖、英国影艺学院4项音乐大奖的经典作《The English Patient》（英国病人）、1998年葛莱美奖提名作《City of Angels》（天使之城，又译：X情人）、1999年的《Message in a Bottle》(瓶中信)与2000年蝉连奥斯卡、金球奖、英国影艺学院3大音乐奖提名的《The Talented Mr. Ripley》(天才雷普利)及《The Next Best Thing》(好事成双)……等。最新的作品为《Chansons De Films 》。在配乐风格上，Gabriel Yared向来以辽阔乐音将影像弥漫出一份寄语无限情怀的空间意境，优美典雅的乐风经常在安静肃穆的气氛里泛起幻变无尽的情绪，酝酿出爱情海间阳光普照的温软，或是翻云覆雨的波涛……如荣获奥斯卡赞誉的《英国病人》那种回荡在记忆深处的眷恋，《天才雷普利》精美景致下晦暗的心机…… 可以说，Gabriel Yared是电影配乐界又一位充满古典浪漫主义精神的大师级人物。

盖布瑞·雅德主要作品

- 2004 - Troy - 特洛伊
- 2003 - Cold Mountain - 冷山
- 2000 - Autumn in New York - 纽约的秋天
- 1999 - The Talented Mr. Ripley - 天才雷普利
- 1999 - Message in a Bottle - 瓶中信
- 1998 - City of Angels - 天使之城
- 1996 - The English Patient - 英国病人
- 1992 - The Lover - 情人
- 1986 - Betty Blue - 巴黎野

其实他的音乐和他配乐的电影一样都是有点主旋律化的东西，不过是有点事情应个景吧。

Nino Rota

Fri, 26 May 2006 02:24:44 GMT

　　Nino Rota，意大利音乐教父，生于1911年，来生仅电影配乐就写过145部，还不包括其它歌剧，管弦乐作品。他毕业于米兰音乐学院，与意大利名导费里尼合作长达三年，创出无数影音经典。而他在条件远不如好莱坞的情况下，以意大利民谣和过人天份为武器，再加上本土强悍和不屈服的民风，写出了无数脍炙人口的作品。而其中最为耀眼的则就是《教父》（GODFATHER），以典型的西西里旋律写出的乐章富含动人的深情。

　　作品年表：

　　１. Set It Off (1996) 辣姊妹
　　2. Godfather Trilogy: 1901-1980, The (1992) (V) 教父三部曲:1901-1980
　　3. Scenes from a Mall (1991) 爱情外一章
　　4. Laberinto de pasiones (1982) 激情迷宫
　　5. Hurricane (1979) 捍卫正义
　　6. Prova d'orchestra (1978) 管弦乐队的彩排
　　7. Death on the Nile (1978) 尼罗河上谋杀案
　　8. Casanova di Federico Fellini, Il (1976) 卡萨诺瓦
　　9. Caro Michele (1976) 亲爱的米歇尔
　　10. Abdication, The (1974) 逊位
　　11. Godfather: Part II, The (1974) 教父续集
　　12. Film d'amore e d'anarchia, ovvero 'stamattina alle 10 in via dei Fiori nella nota casa di tolleranza...' (1973) 爱与天政府
　　13. Amarcord (1973) 当年事
　　14. Godfather, The (1972) 教父
　　15. Roma (1972) 罗马风情画
　　16. Clowns, I (1970) (TV) 小丑
　　17. Satyricon (1969) 爱情神话
　　18. Tre passi nel delirio (1968) 面对死亡勾魂慑魄/
　　19. Romeo and Juliet (1968/I) 殉情记
　　20. Bisbetica domata, La (1967) 驯悍记【意大利/美国】
　　21. Giulietta degli spiriti (1965) 朱丽叶与魔鬼
　　22. Gattopardo, Il (1963) 浩气盖山河
　　23. 8 1/2 (1963) 八部半
　　24. Boccaccio '70 (1962) 三艳嬉春
       25. Best of Enemies, The (1961) 最佳敌人
       26. Dolce vita, La (1960) 甜蜜的生活
       27. Rocco e i suoi fratelli (1960) 洛可兄弟
       28. Plein soleil (1960) 怒海沉尸
       29. Sotto dieci bandiere (1960) 四面楚歌
       30. Grande guerra, La (1959)
       31. Notti di Cabiria, Le (1957) 卡比利亚之夜
       32. Notti bianche, Le (1957) 白夜
       33. War and Peace (1956) 战争与和平
       34. Bidone, Il (1955) 骗子
       35. Strada, La (1954) 大路
       36. Mambo (1954) 曼波
       37. Vitelloni, I (1953) 流浪汉
       38. Sceicco bianco, Lo (1952) 白酋长
       39. Venetian Bird (1952) 夜夜行凶
       40. Anna (1951) 欲海慈航
       41. Glass Mountain, The (1949) 惆怅雪山空遗恨
       42. Vivere in pace (1947) 和平生活
       43. Sotto il sole di Roma (1946) 在罗马的阳光下

【尼诺．罗塔】
英文姓名：Nino Rota
生卒年月日：1911年12月03日
国籍：意大利、法国

写过一百四十余部电影配乐的尼诺．罗塔，可以说是意大利人的荣耀，他与大导演费里尼（Federico Fellini）长达三十年的合作关系，创造了许许多多的经典作品，如1954年《大路》（La Strada）、1955年《》（Il Bidone）、1956年《》（Nights of Cabiria）、以及1961年《》（La Dolce Vita）等。另外，最为脍炙人口、最为人所称道的，莫过于1972年与导演科波拉（Francis Ford Coppola）合作的的《教父》（The Godfather）以及1974年的《教父2》（The Godfather II），并分别获得了英国影艺学院奖与奥斯卡金像奖的肯定。「教父系列」让尼诺．罗塔两度获奖，也为他不朽的乐坛与影坛地位作了标记。

事实上，尼诺．罗塔的音乐才华不只是表现在电影配乐上，他的创作还包括歌剧、芭蕾舞剧及其它管弦乐作品。他有许多优秀的歌剧作品，像是《Torquemada》、《The Florentine Straw Hat》、《Alladin and His Magic Lamp》等。但因为电影配乐的成就太过耀眼了，大家还是比较注意他在电影史上的丰功伟业。

尼诺．罗塔的电影配乐作品尚包括：1960年与名导演维斯康提（Luchino Visconti）合作的《洛可兄弟》（Rocco e i suoi fratelli），是维斯康提的不朽之作。与费里尼合作的经典影片如1963年《八又二分之一》（8＆1/2），是传播科系的指定教材；1965年的《鬼迷朱丽叶》（Giulietta Degli Spiriti），充满意大利的魅力民谣风；1968年与导演（Franco Zeffirelli）合作的《罗密欧与朱丽叶》（Remeo and Juliet），主题曲成为尼诺．罗塔最为人所熟知的情爱作品；1976年的《卡萨诺瓦》（II Casanova di Fellini）等。

ENNIO MORRICONE

Sun, 07 May 2006 21:00:24 GMT

ENNIO MORRICONE 1928年出生于罗马，迄今参与制作的各国电影已不下400部，是意大利最多产、最有建树的作曲家，在世界电影界可谓有口皆碑。
　　
　　幼年时代的埃尼奥是一个莫扎特式的神童，6岁就开始了作曲。12岁，父母把他送入罗马的圣切契里亚(Accademia di Santa Cceilia)音乐学院，让他在作曲系进行了为期4年的正规学习。不到两年的时间里，他突飞猛进地学完了4年的课程，甚至当时还有报道说这个神童6个月内就掌握了所有知识!不管报纸怎么说，在以极其优异的成绩毕业以前，他还有足够的时间和精力去学他所喜爱的另一门专业——小号。在60年代初投身电影界之前，莫里康内一直致力于管弦乐和室内乐创作。在古典方面所受的正统训练和原来的专业取向，对他日后独具一格的电影音乐创作风格也产生了很大影响。1961年的配乐处女作《法西斯分子》(The Fascist/Ⅱ Federale)，使他立刻向世人证明了自己是个天生的电影音乐作曲家。
　　
　　对于每一部电影作品来说，凡由莫里康内作曲，其中音乐氛围必然得到不同程度的强化。这一点，甚至是从未意识到电影中音乐元素的存在的普通观众也能感受到的。显然，这由莫里康内作品中的特质所造成。作为一个世界电影音乐的研究者，笔者之所以对这位大师如此尊崇，首先就在于这些特质的非同凡响：他的旋律由于乐思宽广、质朴流畅、极富歌唱性而具有在一瞬间渗透人心灵的强大感染力；他的配器由于构思独特、选材广泛、不落窠臼而使观众闻而不忘，回味无穷；他的配乐手法由于体裁多样、富于独创性而使电影音乐的语汇获得极大丰富，从而使听众(包括专业人士)的电影音乐思维大大拓宽。这些特点，在他60至80年代的作品中表现得尤为突出。
　　
　　确切地说，莫里康内与意大利导演赛尔乔·莱昂内(Sergio Leone/1921～1989)自1964年至1984年合作的20年，是两人艺术生涯中的黄金时代。两位奇才怪杰在世界电影史上共同写下了熠熠发光的一页。1964年，莱昂内拍摄了他的第一个三部曲——“赏金三部曲”中的第一部：《一把金币》(A Fistful of Dollars)，1966又拍摄了三部曲的第二部：《为了多几块金币》(For A Few Dollars More)。电影音乐史上首次出现的粗砺、潇洒的小号主题和空寂、辽远、漫不经心的口哨独奏，令人耳目一新，给各国观众留下了深刻的印象。

　　在莱昂内于1966年拍摄的这一系列的第三部作品——《好坏丑》(The Good, The Bad and The Ugly)中，他确立了前两部影片中已初见端倪的“意大利面条”(Spaghetti)风格。影片中的无名枪手代表“好”的一方，其对立面——一个心狠手辣的北方军军官代表“坏”的一方。类似西部片中好人战胜恶棍的公式化结构，经过莱昂内的“意大利化”，出现了第三条线索——一个中间型人物。这是个不好也不太坏的、带有喜剧色彩的“丑”的形象。丑的一方所代表的第三势力的存在，打破了原来的正义必然战胜邪恶，有时也就是英雄必然会救出美女的相对直白简单的程式。在角色由于多员化而使戏剧性得到丰富的同时，影片的可视性、观赏性也大大提高。这次，一向富于求新和实验精神的作曲家又为影片配乐注入了勃勃生机和丰富的内涵。电影音乐史上又首次出现了甩鞭声、由男声合唱出的戏谑音效，以及加弱音器小号怪诞、调侃的音色。
　　
　　在6年后的《革命往事》(Once Upon A Time——The Revolution/1972 )中，莱昂内作品里洒脱、戏谑的意味仍有保留，同时一种强烈的怀旧情绪也留存下来。女高音的无言哼呜贯穿在了“往事三部曲”中，成为第二个系列最为显著的风格特征。在1984年的《美国往事》(Once Upon A Time In America)中，动人心魄的排萧独奏、“地下酒馆”里的拉格泰姆(Ragtime)风格乐段和弦乐重奏出的岱博拉主题等无不令人重又耳目一新，叹为“闻”止。当男主角面条(Noodles)凝立在车站的蒸汽和烟雾中，失魂落魄地目送女友岱博拉离去时，女高音歌唱家艾达(Edda Dell'Orso)那令人神往和心醉的音色再次悠然飘现……
　　
　　莱昂内于1968年拍摄的《西部往事》(Once Upon a Time in the West)中，“好坏丑结构”保留了下来。色厉内荏的大胡子夏延的主题，由幽默调侃的班卓琴演奏。世界观众很难忘记那凄厉哽咽、刺人心肺的口琴声，更难忘那牵动着人类共有的怀旧情结，仿佛飘过了无限时空的女高音无言哼唱。在使得莱昂内——莫里康内的代表作《西部往事》成为不朽名作的诸多因素中，音乐所起的作用再大不过了。“往事主题”具有的穿透力和强大感染力，为一般影片配乐不能相提并论。那辽阔宽广、舒缓动人、含义深刻的旋律是无法用语言来形容的。“住事主题”是莫里康内的代表作，又是世界电影音乐的颠峰之作。在用各种文字书写的有关这位作曲家的介绍或评论文章中，它是人们必然要涉及的一段音乐，同时又是上至影评家、下到普通观众以及无数音乐爱好者永远怀着赞叹和敬畏之情去聆听、去谈论的一段音乐。其迷人的音色、流畅的旋律和隽永的风格，对世界各国的许多影片产生了影响。

『古典音乐』 Philip Glass的音乐（系列之一）战争生活

Sat, 29 Apr 2006 03:33:03 GMT

『古典音乐』 Philip Glass的音乐（系列之一）战争生活

作者：碎玉

　　
　　一。Naqoyqatsi (战争生活)及其原声音乐
　　
　　
　　想写这个，已经不是想了一天两天的了。自从一个月之前看了那张“Naqoyqatsi (Life as war，战争生活)“ 之后，我的脑子里就时常会出现其中的音乐和画面，萦绕不已，若是用“haunting”一词形容，应该也不算过分。
　　
　　DVD被我留在了苏州家里，当时是觉得看这个片子震撼太大，会令人的精神过于疲惫，不适于经常看，所以故意留下的。可之后反而因为对它思念不已而竟后悔起来。还好朋友借了给我这个电影的原声音乐的唱片，这对于我确实是莫大的欣慰。
　　
　　这个电影本身就是一个奇妙的电影。当时我买下它，完全是因为被封面吸引，其实对于这个电影当时真的是一无所知。买下后就一直搁置蒙尘，直到有朋友提及为那个电影配乐的作曲家是Philip Glass，才因为好奇而把它翻了出来，抽空看完。
　　
　　我猜想99％的人（包括我自己）看完这个片子（如果坚持把它看完了的话）的时候，都会觉得它和自己的预期很不一样。如果只看封面，你可能会被认为它是一个动画片或者是科幻片。如果你到网上找来影评或者介绍看，相信看过之后你会变得更加糊涂。如果要我来形容，我大概会说，与其把这个电影看作一个电影，还不如把它看成一个Super Music Video。当然没有丝毫贬低的意思。整个电影播放过程中既没有一句对白，也没有完整的故事情节，只有无数的画面（image)以及贯穿始终的音乐。在这个电影中，音乐的地位就算不能说是超越了画面，也至少是高到了与画面同等重要的程度。
　　
　　唱片说明书中谈到电影画面的时候用了一句话“images that are digitally painful in theire representation of sanctioned terror and civilized violence”，说得真好。经由音乐和画面的结合，这个电影中确实让我感觉到了很深的疼痛，有时候是悲哀，有时候是苍凉，甚至还有恐惧；而它根本就没有使用任何血腥暴力的镜头。真是杀人不见血啊。（忽然想起某些电影中的血腥镜头，虽然导演想表现某些事情的残酷，或是恐怖，可一不当心没拍好，只能令人觉得恶心。）
　　
　　还是说说里面的音乐吧。
　　
　　不知道没有看过这部电影的人第一次听这张唱片会是什么感受，至于我自己，肯定不会再有机会得到这样的感受了，不但是因为看电影在先，而且因为两者结合起来给我的印象实在是过于深刻。
　　
　　在现代音乐方面我所听有限，还是很孤陋的。也许是因为现代的作曲家都太有个性，或者太追求独特的个性了，所以，就我听过的所有现代音乐作品而言，我的感觉是能让我仅仅觉得有趣或者聪明的作品很多，而同时能让我感受到美和共鸣的却不太多。
　　
　　刚好这张唱片是属于后者的。Philip Glass在这个电影的配乐中使用的是为乐队与独奏大提琴而谱写的乐曲，演奏大提琴的是马友友。音乐中大提琴和乐队时时出现极清晰的对比，比如，当乐队通过重复单调的背景营造出压抑的黑暗时，大提琴柔和的音色从心跳一般的节奏中浮现，就好像撒向久旱土地上的甘霖，带来的不仅仅是温暖，更是圣洁与感恩。在另一些段落里，无伴奏的大提琴奏出简单空旷的旋律，让我想起沙漠里的风声。（以前总是觉得《东邪西毒》中盲武士死去的那一段的配乐差了那么一点点。现在想起来，正是这一段大提琴的演奏才契合我心中对于那一段场景的感觉。）
　　
　　就好像不见得每个人都会喜欢这个电影《战争生活》一样，大概也不一定每个人都会喜欢它的这张原声。但是我依然要说，这真是一张出色的唱片。那音乐像一支锋利的冰箭，携着巨大的力量，在我感觉寒冷之前，瞬间刺透我的心脏。

Philip Glass

Sat, 29 Apr 2006 02:45:50 GMT

极微乐派的巨人--Philip Glass

二十世纪最勇於突破，也最有影响力的作曲家─Philip Glass（菲利普葛拉斯），作品极为大量且涵盖层面甚广，包括管弦乐作品、歌剧、电影配乐，因为脚步遍及环境音乐及新世纪音乐，所以对电子合成音效也有涉猎，并融入了世界各地的音乐精髓。

　　从八岁起接触长笛开始，Philip Glass便展现了对音乐的天份及兴趣，十五岁远赴芝加哥求学时，他花最多精力在钢琴上，接着还进茱莉亚音乐学院接受正统音乐教育，但是带给他最大启发的，却是印度西塔琴之王─Ravi Shankar，从此他的音乐是由心中浮现的旋律乐段来带领，而不是纸上谱出的符号。 1967年他到了纽约，发展出着名的极微主义乐派，由几个不断重覆的旋律主题构成整首乐曲，彻底打破了古典乐的成规，作法十分後现代，很快就受到艺文圈的注目。随着专属演奏团体的组成，以及几年下来的表演耕耘，1974他受英国Virgin唱片公司欣赏而签下，并逐渐获得国际声望，不过，直到1977年发行了专辑“North Star”，他的音乐才开始接触到普罗大众。

　　“North Star”原本是为了纪念一位艺术家的电影而作，经过一番改写重组後，才变成这张专辑。专辑中的乐曲虽然是各自独立的，但仍然互相连贯。别以为是电影配乐，就会听见叙事性强烈的主题乐章，在这里，只有意识流般的简短音调要你去感受，当然也蕴含了极微乐派的精神。彷佛从机器运转出的管风琴音色，被混入管弦乐的电子合成乐器，加上环绕的人声合音┅，整张专辑就像是末世纪的赞美诗，充满前瞻性的视野，同时瞄准现在与未来。

Philip Glass无疑是被称为简约派中名头最响的一位，这得益于他大量的戏剧、电影、舞蹈配乐创作。更内在的因素是他更加注重声音效果，通过借鉴印度音乐中的“循环节奏结构”，他在广泛应用重复原则，以一个简单音型的不断重复贯穿全曲的同时，通过不断扩展节奏、增强配器的修饰效果等手段使之变化。Glass作品和声的音响效果、音乐织体的丰富都远远超出了上述两位作曲家。他的代表作有《五度的音乐》、《再看和声》等器乐作品。但影响更为广泛的则是由《爱因斯坦在海滩》、《不合作主义》（以甘地为主角）、《阿赫那吞》（Akhnaten，公元前14世纪的埃及国王）所组成的三联歌剧。它打破了歌剧讲故事的传统，而用富于冥思的音乐隐喻和象征刻画人物。

    一九七五年的歌剧《沙滩上的爱因斯坦》。在长达四幕五个钟头的演出当中，不落幕也没有中场休息，观众可以任意地进出，整出作品没有以往人们熟悉的歌剧咏叹调与宣叙调，也没有剧情可言。此剧打破了传统歌剧的形式，葛拉斯与威尔逊宣称「沙」剧无需任何解释，他们希望人们以自己的眼睛与耳朵来感受，从中体会出属于自己的意义。随后葛拉斯又写了《真理坚固（Satyagraha）》《甘地在南非的故事》与《法老王Akhnaten》，此两者与《沙滩上的爱因斯坦》，合称为葛拉斯的歌剧三部曲。

    而自歌剧三部曲后，葛拉斯又陆续写下数部歌剧作品，到了九○年代的考克多（Jean Cocteau）三部曲（《奥菲》、《美女与野兽》、《恐怖的小孩》），他完成的歌剧数量已经有十三部之多。歌剧之外，自八七年起他也开始谱写大型管弦乐曲，《低限交响曲（Low）》、《易太普水坝（Itapu）》都是这时期的杰作，同时他也替多部电影撰写配乐，《机械生活（Koyaanisqatsi）》、《三岛由纪夫传（Mishima）》可称为代表，他最近的新作则是由马丁史柯西斯所导的《达赖的一生（Kundun）》。

    从《机械生活（Koyaanisqatsi）》（1983）开始算起，葛拉斯已经先后替二十多部电影写过配乐，不过由于之前他参与的电影较少受到国人的瞩目，1996年的《秘密情报员》甚至没有在台湾上演，所以一般喜欢电影原声带的乐迷对葛拉斯就陌生得多。随着《达赖的一生（Kundun）》这部即将在台湾上映的主流大片，喜爱电影的朋友将有机会认识这位低限主义大师的音乐风格。

    《达赖的一生》导演马丁史科西斯找上葛拉斯来配乐是有理由的。葛拉斯年轻时就对东方文化有着浓厚的兴趣，他二十五岁开始学瑜珈，在巴黎随布兰洁学作曲两年，并与拉维香卡熟识后，返回美国之前他从土耳其到印度走了一遭。一九六六年起他更开始对藏传佛教产生兴趣，从此成为虔诚的佛教徒，后来更与达赖喇嘛结为好友。无怪乎这部描述达赖前半生的电影配乐部分要找葛拉斯来操刀。马丁史科西斯说他其实多年来一直想与葛拉斯合作，而在《达赖的一生》中终于找到了理想的合作题材：「葛拉斯的佛教信仰以及对西藏文化的深刻了解，使得他为本片所写的细致乐曲，在这部叙述达赖喇嘛的电影中扮演着重要的角色。菲利普葛拉斯是个非常敏锐的艺术家，他的音乐发自内心，从电影本身出发，产生出强大的情感张力，使得音乐停留在人们脑中久久萦绕不去。乐曲的美丽、神奇、瑰丽、庄严随着故事的铺陈而进行，让我们感受到故事的律动。对我而言，电影中的意象不再单独独立于葛拉斯的音乐之外而存在…。」

    这张原声带共收录了十八段乐曲，整体的音乐风格仍然延续了葛拉斯以往的作曲手法，熟悉葛拉斯的乐迷当不陌生：典型的以数个短小的音乐动机反复、延伸、交迭、展开。在其中几段乐曲中依稀可见到葛拉斯前作的影子，第六轨〈Reting`s Eyes〉令人想起《沙滩上的爱因斯坦》中的某些段落，第十八轨〈逃往印度〉中合唱的运用则让人立即联想到他的《易太普水坝》。当然，除了他惯用的语法以及电子键盘、长笛独奏等熟悉的乐器音色运用外，葛拉斯也在配乐中采用了西藏音乐的素材，如锣、西藏式的号角等，第十三轨〈Distraught〉还加入喇嘛的梵唱，使得整张原声带的西藏氛围更为浓厚。最后整张唱片在〈逃往印度〉中累积成一个庞大的气势后曳然而止。

    国外有评者在介绍《达赖的一生》这张原声带时，将之与约翰威廉斯写的《火线大逃亡（Seven Years in Tibet）》相比较，其原因当然是这两张配乐都是与达赖的电影有关。不过以音乐风格来说，约翰威廉斯较具旋律性、戏剧性的商业（在此没有任何价值判断的意思）作曲取向显然是与葛拉斯低限主义的乐风大异其趣的。影评人焦雄屏曾指出，葛拉斯的音乐并不企图诠释或铺陈剧情，他的音乐和影像平行发展，在简单重复中观众反而容易看到影像的本质。葛拉斯在《达赖的一生》基本上也承袭着这样的基调，音乐着重于气氛的烘托与营造，酝酿出神秘、幽缈的东方色彩。

    《达赖的一生》有着很典型的葛拉斯低限主义风格，曲子也不至于太长而令聆听者感到不耐，很适合初次接触葛拉斯的乐迷。不过令我更好奇的是，葛拉斯的下一部电影配乐将是由金凯瑞主演的《The Truman Show》，故事描述一位美国谐星的演艺生涯。面对这样一部喜剧，葛拉斯将会呈现出什么样的音乐风貌呢？这倒是一件值得吾人拭「耳」以待的事。

    作为极简主义现代音乐的代表人物，“玻璃”先生是一个不做电影配乐，也具有广泛影响力的领袖级作曲家。不过，如果不是他为30多部电影配乐，大家遇到他作品的机会就要小得多，毕竟，我们总是宁愿看电影，而不会专门去听纯先锋音乐的。Glass的音乐理论说起来似乎也“极简”：使用尽量少的音符循环重复层叠出丰富的音乐，但真正要弄懂就不容易了。好在我们不仅可以用耳朵去听音乐，还可以用电影去看Glass的极简主义风格。看过导演Godfrey Reggio记录片《QATSI三部曲》影碟的人，就都感受过这位大师的音乐魅力。而更多的奥斯卡电影迷们，则可以通过获奖电影《时时刻刻》来聆听Philip Glass了。

Eleni Karaindrou部分作品

Fri, 21 Apr 2006 05:29:37 GMT

Discography (1991)

Helene karaindrou－1988

《尤里西斯生命之旅》Ulysses' Gaze (1995)

在线视听： http://www.vvpo.com/vvpo/po_2418.htm

《永恒和一天》(Eternity And A Day)－1999

<特洛伊妇女>（Trojan Women）－2002

《三部曲：哭泣的绿地》（The Weeping Meadow）－2004

部分在线下载作品：

http://mp3.baidu.com/m?f=ms&rn=&tn=baidump3&ct=134217728&word=Eleni+Karaindrou&lm=-1

http://universalsh.c43.163ns.com/annelike/02%20Litany%20[Variation%20I].mp3

http://upload.lifepop.com/files/xiangzhiyu/departandeternitytheme.mp3

Eleni Karaindrou--zt

Fri, 21 Apr 2006 04:47:56 GMT

风中水边的灵魂：Eleni Karaindrou
作者：碎玉

即使现在不常听了，但倘若难得想到一次，找出来她的唱片来听，她的音乐依然如从前一般感动我，未曾被时间改变。也许，可以经受时间的冲刷、抗拒世故的磨损的，也就只是那些足够简单纯真的东西。

　　
　　海伦卡兰卓（Eleni Karaindrou），被称为希腊大导演安哲罗普洛斯（Angelopoulos）的御用作曲家，因为他们自1982年的相识之后便开始了超过20年的长久合作，卡兰卓去年最新的作品，一张标题为“Weeping Meadow”的唱片，也是安哲罗普洛斯的同名影片的中的音乐，这已经是他们的第七次合作，而此前几乎他们的每一次合作都广受好评。尤其是1995年的《尤利西斯生命之旅》，以及1998年的《永恒与一天》。无论是艺术电影的角度，还是从纯音乐的角度，或者是从电影与音乐的相互配合，这两部作品都可以被称为经典了。
简介

Eleni Karaindou出生在希腊的小山村Teichio，那里地处希腊中部，四周环山。她在雅典长大，并在Hellenikon Odion学习钢琴演奏和理论。从1969年到1974年她在巴黎学习人种音乐学，回到希腊后在ORA文化中心创立了传统乐器研究所。

为Angelopoulos的电影所做的原声音乐令Eleni Karaindou闻名全欧洲，不过她也和其他一些重要的欧洲导演合作，如Chris Marker, Jules Dassin, Margharethe Von Trotta等。“我喜欢和熟悉的声音结合在一起——从希腊传统民谣到爵士再到古典，”她说，“我感觉自己像个画家，从千千万万种色彩中选择，轻涂慢抹出一些作品。”《尤利西斯生命之旅》
　　
　　神话与电影
　　
　　尤利西斯，其实就是希腊神话中的奥德修斯（Odysseus），是荷马史诗《伊利亚特》中的人物。他在神话中是一个大智大勇的英雄，岛国伊萨卡的国王，传说在特洛伊战争中起到决定性作用的木马，就是他设计的。他也是《伊利亚特》的续篇《奥德赛》的主角；《奥德赛》这部史诗，就是讲述特洛伊战争结束后，他与其他众位希腊英雄在海上漂流十年，经历各种磨难之后终于得以重新回到家园，重新被国人接受，与家人相认、团聚的故事。
　　
　　而这部《尤利西斯生命之旅》则是借喻了尤利西斯这个神话人物的形象，描述一位希腊电影制作人，A，在离别故乡三十五载之后重回家园，走遍战火纷飞、饱受创伤的巴尔干半岛，寻找一对兄弟导演在世纪初拍摄的三卷已经失落的未冲印电影胶片。
　　
　　就如同卡兰卓其他几张在ECM公司制作的电影音乐唱片一样，这张《尤利西斯生命之旅》中的曲目也并非是简单地按照在电影中出现的顺序排列，而是在她与唱片制作人弗雷德•艾歇尔（Manfred Eicher）的深思熟虑下，经过重新选择、编排的。经过从音乐的角度重新考虑和组织那些音乐素材之后而产生的这张唱片，具有自身的思想, 是不需要作为电影附庸而存在的。
　　
　　音乐意象
　　
　　在她的音乐中，卡兰卓遥遥向我们伸出手来，引导着我们的目光，在历史的废墟中踯躅而行。在她的音乐中，我们的思绪穿越地域，凝视河流，山脉和旷野；穿越历史，凝视文明，战争和杀戮。聆听着这张唱片，仿佛就像跟随着电影中的主人公A，在跋涉与寻觅中，体验磨难中的苦痛，经历成长后的淡然。而这些影像这些思绪，就那么不动声色地被记载，用旋律，用和声，在唱片的每一条音轨里，仿佛一个自己珍藏的容纳记忆的盒子，可以让自己常常逆行于时光长廊，回首翻检记忆的片段。
　　
　　这是一张智慧而淡雅的唱片，里面音乐有一种凝神静思的美，不知为什么会让我想起各种各样的黑白照片，有时候，我甚至会因此联想起卡兰卓年轻时候的模样。
　　
　　卡兰卓的这些音乐，大部分都由一把中提琴奏出主题,或许是因为中提琴音色的厚度和绵延可以表现出那种追忆和失落的情怀，表现出岁月的积累和沉淀，而又不失之于悲痛和忧郁吧。除了中提琴以外，卡兰卓还在音乐中加入了手风琴、双簧管、小号、法国管和大提琴，通过不同乐器的音色，或交织，或对比，营造出相似音乐主题的不同感触和情绪。
　　
　　唱片中的音乐一共分为十七个乐段，其中的主要乐段称为“尤利西斯主题”，而唱片的结构就是由这个主题和它的分散在唱片中的六段变奏所支撑起来的。唱片里的音乐一上来就是尤利斯西主题，中提琴在高音区独奏出这个主题，在管弦乐伴奏的背景下显得分外冷清透明，仿佛是某个夜晚从海面上缓缓升起的一轮明月。
　　
　　从第二乐段开始，尤利西斯主题的各个变奏时隐时现地贯穿于整张唱片，以各种不同的形象和情绪出现于或者悲凉或者温暖的旋律与和声中，也许象征着那淡然凝注于磨难与成长的目光。唱片中有一首超然独立于尤利西斯主题之外的乐曲，标题叫《河流》，是这张唱片中唯一一首以管乐为主的乐曲，法国管低沉悠长的音色从弦乐的和弦中淡入淡出，如同茫茫水天之间的一叶扁舟，或者是记忆中的一块残片。是在时间之河中轮回？还是在记忆之河中忘却？我不得而知。小到个人，大到家国，也许是都一样，每一次磨难就是一次轮回，而我们总是不断地在这种或那种轮回中，经历着苦痛和成长，见证着失落、追寻和遗忘。
　　
　　音乐的风格
　　
　　试图对于现代作曲家的作品进行归类好像是一件难度很大的事情。我们可以很容易把巴赫、莫扎特、勃拉姆斯的作品从其他音乐作品中区分出来，贴上古典音乐的标签；但对于像卡兰卓这样的作曲家，也许我们只能够通过音乐的风格、使用的乐器、对于大众的迎合度这些标准，含糊地把她中后期的音乐作品归类于严肃音乐，或者，“古典音乐”。
　　
　　然而用“严肃”二字，或者“现代”二字，来对卡兰卓的音乐进行归类，恐怕会吓跑一大批将听而未听的听众。事实上，至少从字面上来看，用这两个形容词来形容她的音乐实在是不太公平。当然，我也并没有打算为之开展什么“正名”或是“重分类”的运动；我只是想用她的音乐来说明一下，“严肃”音乐其实可以是优美绝伦、荡气回肠，而“现代”音乐其实也许隐含着比传统古典音乐更为古远的乐思。
　　
　　在这张唱片中的某些音乐中，我们确实可以找到一些早期音乐的痕迹。
　　
　　有一首标题为《拜占庭赞美诗》（“Byzantine Psalm”）的短歌，是一首无伴奏合唱形式的赞美诗；而这种节奏自由的单音清唱曲，正是一千多年前早期宗教音乐中的典型形式。这一首拜占庭赞美诗用古希腊语唱出，柔和温暖的女声在持续低音的伴唱下如同幽谷回音，不带一丝一毫的烟火气。
　　
　　在这首拜占庭赞美诗中出现的持续低音，其实在卡兰卓的音乐中十分多见。比如在这张唱片的几乎所有其他乐段中都可以找到相似的持续低音，只不过不是由人声唱出，而是由乐器所演奏。卡兰卓曾经回忆自己童年时在故乡的山村所听到的那些美妙的声音：风声，雨点在屋顶上的敲击声，潺潺的流水声，下雪时寂静的声音，还有在教堂中听到的持续的男声吟唱及其所伴随的拜占庭圣咏旋律。。。也许，那些音乐中的行云流水般的低音和声，正是那些千年前曾经回响在古代希腊上空的音乐，却经由卡兰卓的聆听和记忆的折射，穿越了时空，将我们感动。
　　
　　（卡兰卓的音乐其实已经很久没有听，但这两天又找了出来，听得百感交集。一直觉得自己对于她的音乐没有能力写出什么，但真的开始动笔，想想写写，却发现自己想说、却尚未写下的东西其实还有很多。。。）
　　

踏在时间中的足印: Eleni Karaindrou(二)

碎玉

时间。时间。时间。
　　
　　希腊女作曲家卡兰卓在这张1998年的唱片《永恒的一天》之前的作品，就是1995年的那张叫做《尤利西斯生命之旅》的唱片。如果说后者是关于空间，关于地理上无法逾越的千山万水，关于阻隔后遥遥相望却无能为力的悲伤，那么，前者一定是关于时间，关于那些可以经由传说和回忆而重现的过去，还有那些可以经由想象和希望而创造的未来吧。。。
　

　
　　我总是很好奇，在三年前写出像《尤利西斯生命之旅》这样的连听者都难以忘怀的作品之后，卡兰卓如何才能够摆脱尤利西斯冰凉冷峻的目光，抛下雾中的迷惘和追寻，却创造出《永恒的一天》中那种无比温暖的包容的？也许只有时间才有这样的力量-----时间改变了容颜，治愈了创痛，让那些悲伤在遗忘中渐渐消磨，却又把残留在回忆中的往事改编得美轮美奂而又触手可及，到头来，连亲身经历过那些往事的人如我们自己，也开始迷惑，究竟是回忆欺骗了自己，还是时间愚弄了自己。。。
　　
　　这是一张适合在感觉寒冷之时聆听的唱片，某个在房间里越坐越凉的冬夜，某个冷气开得过于强烈的夏日，或者是某个失意彷徨而感觉生无可恋的瞬间。。。而这张唱片中的暖意，就仿佛一件微温的柔软外套轻轻盖落在皮肤上，令人恨不得自己一头埋进去，紧紧地被它连头裹住，让脸颊也贴住它，被那种温柔的触感所抚慰。
　　
　　有一年，曾经把这张唱片翻来覆去地听，听得天昏地暗，不知何年何夕，甚至用“两耳不闻窗外事”来描述都觉得不够妥帖。若是回忆起来，我记忆中的那一段时间，就仿佛是在时间的网页上，用 “Eternity and a day”这个关键字做了一次搜索，搜索的结果是密密麻麻满篇满页的纪录。
　　
　　其实我自己在几年前买下这张唱片的时候，甚至根本不知道这是一张为电影而写就的唱片。我只是无法抗拒那个封面上那种遥远而苍茫的灰蓝色，还有那一抹简简单单的浅黄色，从画面的下部往上一路斜斜蔓延开去，竟就变成令我魂牵梦萦的沙滩与海岸。至今我依然记得当时看到这张唱片时的感觉，一种久违和遥远的熟悉，仿佛心中有某种东西苏醒，一睁眼竟看到了自己的影子。
　　
　　那时候，还没有找到像现在这样的和自己有类似喜好的朋友们，和我一起玩的那些，多半是一起念MBA的同学，一些年纪比我大，而且已经成长为小资的前愤青们。那时我们经常的话题是Lou Reed, Susan Vega, Cranberries, Bob Dylan, 汪峰, 许巍什么的。。。和他们在一起，我一般会按捺下自己对于古典音乐的喜爱，但唯有这个eternity and a day不行，言必提之，但凡有人愿意跟我讨论两句，简直就是感激涕零，几乎要把人家引为知己。
　　
　　我那时候听音乐的状态和现在不一样，那时是一种非常单纯的不注意技术细节的聆听，听后的感受也是感性而直接的，是一种孩童般的天真，或者说，蒙昧。那种状态下，我知道音乐很美，我会在音乐中落泪，但我不知道为什么如此，也不想去探究。如果可以用一个词来描述那种状态，也许我会用“innocence”。对于那个时候自己对于音乐的不太成熟的理解，现在的我其实抱着一种很复杂的感觉，也许是羡慕、惭愧和鄙视交织吧。就好像成人有时候也会羡慕小孩的单纯快乐，其实有时候，现在的我也会很希望再回到从前，再去体验一下那种单纯的能够毫无理由地让自己落泪的巨大感动。
　　
　　时间的力量是让我们成长，遗忘，让我们明白得越来越多，让我们可以回答越来越多的、从前的自己向着天空问出的“Why”。然而就好像没有人可以再回到童年，我也再不能重温那已经消逝的innocence. 那么就让它成为记忆中的足印吧，我只希望，在现在和未来的时候，我还可以想起它，让它不至于被时间的灰尘所掩盖。。。我只希望，当自己前行，回首时再看那足印时，眼中的世界可以迷雾消散，变得清晰明澈。。。
　　
　　这两天又重听这张唱片，忽然明白，自己对于Yann Tiersen，尤其是他音乐中的手风琴声音的着迷，原来最早是始于这张唱片，因为里面很多音乐都用到了手风琴的演奏。比如唱片的第一首 “时间的声音”里面，手风琴总能把左手的旋律演奏得清瘦淡然，象是远处烟囱中升起的白烟，然后用右手的贝斯轻轻渲染，把那一缕白烟若有若无地铺散在空中。而那些余音竟然也不散去，反而渐渐融入弦乐的背景，不绝如缕。
　　
　　在唱片中的三首“永恒”主题以及变奏中也有手风琴。只是，那些关于“永恒“的主题太过深邃太过美丽，手风琴的音色已经无法独立支撑，它只能退入背景中，化作绕指柔，随着弦乐的旋律，飞舞得象是秋天风中满空的黄叶。然后无声无息地停下来，聆听管乐之间仿佛水波荡漾一般的应答。
　　
　　“消逝与永恒”是我最喜欢的一组曲子，被卡兰卓写成了四首主题与变奏。就好像我们总会特别依恋那些即将逝去的东西，总会特别珍惜昙花般短暂的绽放，卡兰卓写这首曲子的时候，一定也是倾注了无尽的温柔。她好像喜欢用巴松或者大提琴这些低音乐器来表现那个“消逝”主题，沉郁缓慢的旋律，让我想起安静的旷野，模糊的两岸，在穿越时间的河流上，船只在雾中漂流，没有终点，没有止境。那些感伤和迷惘，甚至会让我怀疑生命存在的意义。
　　
　　唱片中最好听的一定是第十五首，每次听到这首我都有把唱机暂停的想法，真希望那一按可以让时间静止，哪怕是短短的一刻。小提琴、大提琴与长笛的三重奏优美绝伦如同沙漠中旅人渴望的清泉；却极为短暂且渐行渐远，而“永恒”主题却悄悄淡入，取而代之。。。。。。什么东西能敌得过永恒？任它如何美妙的东西，终也只能无可避免地化为尘土吧。

特洛伊废墟中的尊严：Eleni Karaindrou（三)

碎玉

***读***

. 2001年在希腊上演了由安提帕斯（Antypas）导演的现代版舞台剧《特洛伊女人》(Trojan women)，据说在首演式上七千名观众起立鼓掌达六分钟之久。这样的场面我自然无缘得以观看，而只能在海伦卡兰卓(Eleni Karaindrou)为之所谱写的音乐中，翻动唱片说明书中的黑白照片，翻阅着那些神话中的名字，聆听着那些古老的乐器，想象演出的盛况。

. 这是一部关于创伤的作品，一张关于创伤的唱片。用那些从远古流传下来的乐器，卡兰卓藉音乐重现了两千四百多年前战争的创伤。

. 《特洛伊女人》是古希腊剧作家欧里庇得斯(Euripides)的悲剧作品，完成并首演于公元前415年，讲述了传说中的十年的特洛伊战争结束之后，战败的特洛伊的悲惨状况：城市被夷为平地，城中财富被劫掠一空，而居民妇孺被屠杀或被卖为奴隶。而当时希腊正与斯巴达进行长达近三十年的波罗奔尼撒战争（431 B.C. - 404 B.C. ）；而公元前416年，希腊侵入了邻近的一个中立的岛国米洛斯，洗劫全城，屠杀所有男子，并且将妇孺变卖为奴。

. 欧里庇得斯用传说中的战争来影射现实的意图显而易见，而《特洛伊女人》也被认为是现存于世的最早的一部提出了反战观念的戏剧作品。这部作品被批评为结构松散，情节简单；然其伟大之处，显然并非在于情节或结构，而是在于它通过对于战后未亡人的苦难、悲痛以及尊严的刻画，第一次提出了对于战争的悲悯以及“胜利”二字的质疑。这种悲悯和质疑，即使在两千四百多年之后的今天，依然栩栩如生，未曾改变。

　　***想***
　　
　　创伤。不是因为那些萧瑟的琴声，不是因为那些呜咽的笛声，或者，悲戚的歌声；或许只是写者无心，听者有意。其实创伤也许亘古存在于记忆，存在于时间，根本无需重现，只需轻轻一声提醒。
　　
　　听到那古老的拨奏乐器，就觉得那坚硬的金属声，仿佛冰凉的刀刃，割在自己不知有多坚强的心上，令我扭头不及，哪敢检视鲜血汩汩的伤口。听到那古老的芦笛，颤颤悠悠地一声叹出来，仿佛有一口气幽幽呵在耳后，不知道包含了多少委屈，多少犹疑。还有那古老的拉弦乐器，曾经在《永恒的一天》那张唱片里面惊鸿一瞥，奏过一首民间歌谣，当天听时只觉自己不堪那急管繁弦，不料它在这里竟然决意沉静，任一句琴声都象是飘远的“归去归去”，苍凉得痛入心脾。
　　
　　多日来我一直在断断续续地为这张唱片写下文字，或简短的只字片语，或稍长的段落文章。然而我一直沮丧，那些文字和想法如同一团乱麻般纠集在我的脑海，当我试图将它们整理成一片完整的文字，它们就开始抽紧、打结；---- 所谓剪不断理还乱，我甚至可以想象自己持着剪刀的手无助地垂下，而那些思忆的碎片断裂如尘，纷纷飘落。
　　
　　我甚至开始怀疑自己选择了一张错误的唱片去做录音。会有人被干涸的泪水打动吗？会有人像我一样，被那里面的音乐刺痛如同赤足在沙滩上行走时被碎石割伤脚底么？
　　
　　干涸，是的，干涸。干涸到让我觉得自己象一口枯井，井底甚至不再有柔软的淤泥，只剩下龟裂的黄土，裂痕如同伤口一样裸露在空气中。其实，自从知道这张唱片的背景，知道这部euripides的同名悲剧，知道它描写了在战争中痛失亲人与家国的哀伤，我总是觉得那音乐应该湿润如泪水，咸如海风，至少也该象《尤利西斯的凝视》的音乐那样雾气迷蒙。
　　
　　所以，卡兰卓的音乐常常让我矛盾，让我对自己怀疑。
　　
　　还记得上次做那个关于《永恒的一天》的录音的时候，主持人小铃跟我讨论到卡兰卓的音乐的色彩和情绪，问我为何一个萧瑟的乐句，一个如秋天黄叶般飞舞的旋律会令我感觉到温暖。而我只是回答说，听，那根双簧管是明亮的桔黄色，而那巴颂管的旋律则是温暖的暗红。暗红如同冬日炉中静静燃烧的一块煤炭。
　　
　　而这张唱片的音乐，则常常让我想起海边黑色的岩石，想起黎明那半明半暗的光景。

　　***听***
　　
　　我很少听到卡兰卓在她的音乐里用到人声，唯一的一次，是《尤利西斯的凝视》中的那首《拜占庭赞美诗》。但在这张唱片里，或许是为了契合古希腊悲剧表演的结构，卡兰卓终于创作了为合唱而写的作品。那些合唱作品在希腊悲剧的结构中有专门的名称，比如在序幕之后出现的合唱叫做进场曲（Parodos），在各个情节段落之间的合唱叫做幕间合唱（Stasimon），而最后的合唱曲（exodos）叫做终曲或者退场曲。
　　
　　我听不懂希腊文，我唯一能做得也只是读着英文译文的歌词，把那些轻柔悠长的低吟浅唱当作乐器来听。我不得不承认，这个世界上确实有一些音乐根本不需要文字的帮助就可以令人沉溺，比如这些合唱曲 ---- 也许这是我自己近年来所听过的除了巴赫作品以外最感人的合唱作品了。
　　
　　昨天在网上看到有人写到：“適合在黑暗中把擴大機的音量轉到十二點鐘方向，一個人，縮在房間的角落聆聽”。至于我自己,我总是闭上眼睛聆听，连黑暗也不需要。
　　
　　音乐起于言尽之时。对于这些合唱曲，我再没有能力，也不想，写出更多的词句。听吧，听吧。不需要知道它们的标题，不需要阅读它们的诗句，听吧，听吧。
　　
　　除了这些合唱曲，卡兰卓依然延续她自己的方式，围绕某一种具体的存在或者抽象的意境, 写出一系列由器乐演奏的“主题与变奏”；比如，在《永恒的一天》那张唱片中，我们曾经听到过的“告别”主题和“永恒”主题。在这张《特洛伊女人》中，卡兰卓除了分别为戏剧中的几位主人公写下了各自的音乐主题，还为痛失亲人的特洛伊女子们创作了“悼歌 ”主题和描写战败后的特洛伊城的“荒凉城市”主题。
　　
　　几个月前，大片《特洛伊》风靡一时，而我的朋友们在观看之后对它的评论褒贬不一，令我最终也没有下定决心，去或是不去看这个电影。不过，撇开这个电影本身好看与否的问题，至少，看了这个片子之后的一个客观收获是可以对于荷马史诗《伊利亚特》中的各色人物有一些系统的了解。比如，沿着特洛伊王子帕里斯的家族线，我们可以知道，他的父母分别是特洛伊国王普利安(Priam)和王后赫卡柏(Hecuba)；他的兄嫂分别是著名的特洛伊英雄赫克托耳(Hector)王子和美丽的安德洛玛刻（Andromache）；而他的姐姐则是拥有预知未来的能力的卡桑德拉(Cassandra)公主。
　　
　　在唱片中可以听到卡兰卓为赫卡柏、安德洛玛刻和卡桑德拉这些特洛伊女子写下的简短而迥异的主题。
　　
　　---- 对于在战争中失去了丈夫和儿子、投海自尽的特洛伊王后赫卡柏，描写她的音乐主题 (Hecuba’s Theme)，是用古提琴与人声的舒缓吟唱着重渲染她的悲痛与逆来顺受。
　　
　　---- 对于丈夫阵亡、幼子被夺的安德洛玛刻，两段主题(Andromache’s Theme / Lament)中分别使用了两种不同的拨奏乐器，冰冷而犹疑的铮铮之音，也许就是她无助而凄惨的恨意。
　　
　　---- 而拥有倾城美貌的卡桑德拉，因为被太阳神爱上而被他赋予了预知未来的能力，却又因为拒绝他的爱情而被赋予了预言无人相信的命运。卡桑德拉主题 (Cassandra’s Theme)中悠长沉静的芦笛声仿佛是她坦然而洞悉未来磨难的双眼，而密集的鼓点声则诉说着她多年来无人理解的苦痛。

　　***看***
　　
　　本是该听的，但看图片也很享受。
　　
　　卡兰卓曾经在巴黎念书，研习一门叫做《民族音乐学》(ethonomusicology)的功课，后来回到希腊之后设立了传统乐器研究室 (the Laboratory for Traditional Instruments)。我比较欣赏她的一点是，作为一个手中拥有如斯资源的作曲家，她却从不把“民族”“传统”作为自己的卖点。她是如此坦荡自如地对待音乐的传统和民族性，既不强调，也不刻意忽略，那些东西之于她的作品，就仿佛冰块之于饮料，只在需要用时用之。她是真正不含杂质地爱着音乐的人。
　　
　　唱片《特洛伊女人》中用的乐器，全都是传说中的古老乐器。或许是考虑到与戏剧的年代配合问题之后所作的决定。对于那些古怪艰涩的名字，我不太懂，也不想去深入探究。其实凝神听的时候，我觉得那些乐器的音色，其实与中国的传统乐器十分类似。三弦的里拉(Lyra)听上去像是二胡，奈(Ney)像是笛子，(乌提)Outi则会让我想起琵琶, 卡诺那(Kanonaki)有点像是古筝，还有，桑托利(Santouri)，是不是有点“筑”的味道？或者，干脆把班迪亚(Bandir)当成“缻”吧。还有那个达欧利（daouli），可不就是大鼓么？
　　

　　***跋***
　　
　　我可以把两千四百年说成是沧海桑田么？
　　
　　两千四百年，只是天地间短短的一瞬间吧。还记得自己很久以前看库布里克那个电影《2001太空漫游》时的感觉，纵然是人类发展那漫长的一篇历史，在无尽的时间之河中，也许也只能做一粒小小的浮沙。我曾经固执地相信，永恒是一个完全不能企及，超出人类所有想象的概念。但最近的我却越来越多地为一些可以穿透内心的东西所打动，开始相信那是一种接近永恒(eternity)的存在。
　　
　　我想，相对于人类短暂的生命而言，其实千年和千万年几乎是同样地漫长。两千四百年，纵然不能说成沧海桑田，但对于我，至少已经足够接近于永恒。就像古希腊剧作家欧里庇得斯(Euripides)的悲剧作品，流传在两千四百年后的今天，它们受到比当时更大的尊重，被人们细细阅读，并且在世界各地,包括中国，被搬上舞台。或许这是另一种永恒(timelessness) --- 无论是在今天或在数千年前，无论地理上是否远隔千山万水，无论离我们的生活、我们的语言有多么遥远，那种唤醒人性，触动心灵的美，永不会湮灭于时间。

Alberto Iglesias

Thu, 13 Apr 2006 03:42:31 GMT

收集大师的工作在第二个星期就开始犯难了，自己喜欢的Alberto Iglesias在网上是实在资料欠缺。这位1955年出生于Donostia-SanSebasti á NGuip ú zcoaPA í sVasco的西班牙人虽被无数人追捧为国宝级的配乐大师，但是怎么就没有人专门研究研究呢，唉！网上更多的对于大师的报道都是西班牙语，甚至有法语的人物介绍，可惜翻译成英语的文章就不多，更别想着有中文的了。

在网上只言片语的介绍中最多的无疑就是最近几年热潮的阿莫多瓦的《对她说》和这次奥斯卡提名的《不朽的园丁》的配乐了。摘上一段关于《对她说》的文字评价吧。

Alberto Iglesias "Talk To Her" 2002 (Milan)

非常喜欢西班牙著名导演阿莫多瓦,后来才发现他的影片中那些优美伤感的配乐很多出自Alberto Iglesias 之手,从"我的秘密之花"开始,到"活色生香","关于我的母亲",再到最近打败张艺谋的"英雄"而获得金球奖最佳外语片的"对她说".
　　缓缓的流动,忧郁,柔和,开首一曲简短的"Sabana Santa"已经让听者微微的触动.第二首主题曲"Hable Con Ella",旋律一登场,我想,果然,心里头某个地方已经被它给揪了起来.却偏偏还要出现最擅于煽情的西班牙吉他,轻轻一弹拨,面前即刻出现了一位亭亭的flamenco跳舞女郎,轻易的就将观众的情绪牵动在她的裙裾间翻飞,只不过这次看到的不是热烈的火焰之舞,而是优美而忧伤,甚至略显绝望的舞姿.小提琴悠扬流畅的倾述,就像在抚摸着内心的创口.第三首"Cucurrucucu Paloma",温柔的男声唱起了--是巴西著名的音乐人Caetano Veloso,唱得真的很温柔,温柔得心都要一片片碎掉了.在听到"aye-aye-aye-aye-aye"的时候我突然一惊,脑海里出现了何宝荣和黎耀辉爱情的纠纠结结,以及那个有瀑布的灯罩.上网一查,原来,王家卫就是在拍摄"春光乍泄"期间买了Caetano Veloso的专辑,深受感动才选了这首歌作为黎耀辉进入阿根廷的前奏.这是一首关于鸽子的歌,"Paloma"是鸽子的意思.Caetano Veloso动情的唱着,不用葡萄牙语,而是用西班牙语——这种“与上帝交谈的美丽语言”,只有大提琴低沉委婉的合奏.结尾处异常柔和的"cu-cu-rru-cu-cu"应该就是鸽子的叫声了.接下来,另一首有singer的歌"Por Toda A Minha Vida"也由巴西杰出女歌手Elis Regina演唱,歌声相当touching, 歌里挥不去一股浓浓的寂寞忧伤.将近结束的"Raquel"是唯一的比较快乐的曲子.有打击乐器的出现,吉他的调子轻快好听.最后一首"The Plaint: 0 Let Me Weep"长达7分52秒,是女高音和大键琴肃穆的二重奏.
　　弦乐的丰富运用,使情节跌宕起伏;整张专辑的音乐富有感染力,画面感很强,一边听,我一边又看到了女斗牛士从容的挥动红色披风,让公牛紧贴着身体冲过去;男人细心的替成为植物人的舞蹈学院女学生按摩,女孩光洁的脸庞上似乎带着微笑；死神的两次降临;两个男人之间因女人而起的温暖友谊；不断地给女孩讲故事,不管她是否听得见...
　　在这部从男性的情感和视角来诠释女性的片子中,如果说,阿莫多瓦以总是朴素无瑕的镜头却营造出一种煽情的华丽的话,那么Alberto Iglesias的配乐功不可没.(文/tumbleweed)

以及一篇关于《露西亚情人》的小碟评：

艺人： Alberto Iglesias（阿尔贝托伊格莱西亚斯）
唱片： Sex and Lucia露西亚的情人
厂牌： Palm Pictures

有人说“露西亚的情人”结尾太阳光了一点，但电影原声的开始和故事的开始一样并不会让你感到轻松，曾为阿莫多瓦的《对她说》，《活色生香》，《我的秘密之花》等影片做配乐的Alberto Iglesias（阿尔贝托伊格莱西亚斯）这次变本加厉的玩弄起他的简约主义氛围音乐，让时间在漫长的绵延低音搭建起自己的隐秘结构。当这一书写色欲影像的另类音乐手法中偶尔泛起如“El Faro: Cuanto Llevo de Venta”般的低调钢琴乐曲或者女声虚无飘渺的呻吟之后，Alberto Iglesias也暂别了极简实验而重归色彩斑斓的西班牙音乐之中，主题曲“Lucia”听起来就像他曾在《对她说》里表达过的浪漫情怀一样。不过暧昧与压抑的终结最终还是靠Fangoria(方格利亚)，Carlos Jean（卡洛斯简）和Mala Rodriguez（马拉罗德里格兹）等几位流行歌手明亮的电音流行曲，尤其是Rodríguez（罗德里格兹）的“Yo Marco el Minuto”带着幽暗的碎拍嘻哈气息的西班牙说唱，似乎昭示着一场阳光下的颓废梦境。

Goya's Ghosts (2006) (post-production)
Volver (2006)
Almodóvar que nadie conoce, El (2006) (TV)
Alberto Iglesias, el músico fiel (2006) (TV)
The Constant Gardener (2005) 《不朽的园丁》
Mala educación, La (2004) Bad Education 《坏教育》
Te doy mis ojos (2003) Take My Eyes
Terror in Moscow (2003) (TV)
Comandante (2003) 《指挥官》
Hable con ella (2002) Talk to Her 《对她说》
The Dancer Upstairs (2002) Pasos de baile 《楼上的舞者》
Lucía y el sexo (2001) Sex and Lucia 《露西亚情人》
Todo sobre mi madre (1999) All About My Mother《关于我母亲的一切》
Amantes del Círculo Polar, Los (1998) The Lovers of the Arctic Circle 《极地恋人》
Femme de chambre du Titanic, La (1997) The Chambermaid on the Titanic
Carne trémula (1997) Live Flesh 《活色生香》
Pasajes (1996) Passages
Tierra (1996) Land 《人间昆虫记》
Flor de mi secreto, La (1995) The Flower of My Secret 《我得神秘之花》
Casa en las afueras, Una (1995) House Out of Town
¡Dispara! (1993) Shoot!
Ardilla roja, La (1993) The Red Squirrel 《红松鼠杀人事件》
Vacas (1992) Cows《牛的见证》
Mujer de tu vida 2: La mujer gafe, La (1992) (TV)
Vida láctea, La (1992) The Milky Life
Sueño de Tánger, El (1991) The Dream of Tangiers
Lluvia de otoño (1988)
Martín (1988)
Balada da Praia dos Cães (1987)
... aka Playa de los perros, La (Spain)
Seis en punta, Las (1987)
Adiós pequeña (1986)
... aka Bilbao Blues (International: English title)
Iniciativa privada (1986)
Memoria universal (1986)
Luces de bohemia (1985) Bohemian Nights
Fuego eterno (1985) Eternal Fire
Muerte de Mikel, La (1984) Michael's Death
Conquista de Albania, La (1984) Albaniaren konkista
Guipuzkoa Donostia: Costa guipuzcoana (1983)
Ikusmena (1980)
Paisaje (1980)